小倉遊亀画伯は1895(明治28)年、滋賀県大津市に生まれました。1913(大正2)年に奈良女子高等師範学校に入学、ここで図画の教師であった横山常五郎に絵の指導を受けました。その後、名古屋や横浜の高等学校で教鞭をとるかたわら、日本美術院同人であった安田靫彦画伯に師事、再興日本美術院展に出品して1926(大正15)年に《胡瓜》で初入選、1932(昭和7)年に同人に推挙されました。1936(昭和11)年には教職を辞して画業に専念、以後2000(平成12)年7月に亡くなるまで、日本美術院を代表する画家として活躍しました。

小倉画伯の作品は、身近にあるものに題材をとった人物画や静物画が多くをしめています。澄んだ色彩と骨太な線描、そこから生まれてくる明快な造形には、東洋的な精神性を重んじる日本美術院の伝統を引き継いだうえで、なお豊かな日常感覚に支えられた近代的な表現が明確に打ち出されています。小倉画伯が本格的に活動をはじめた昭和初期は、明治以降の日本画が一つの頂点を極めるとともに、また新たな展開を求められていました。そうした時代をくぐり抜けて築かれた画業は、まさに昭和の日本画に新しい変革をもたらしたものとみることができます。

今回の展覧会は、初期から晩年に至る小倉画伯の代表作約80点をあつめ、その画業の軌跡を辿るとともに、それらが近代日本画の流れに果たした役割と、今後の日本画のあり方に今もなお示唆するものをあらためて探ろうとするものです。

【展覧会概要】

【展示構成】

第１章

　大正時代の後半から戦後まもなくにかけては、小倉遊亀が一見遅々としてみえる歩みの中で、自身の画業の原点を確実に見据えながら研鑚を積んでいった時代であった。その画に一貫して見られる、身近なものへの暖かい眼差しと豊かな生命の営みに対する強い共感は、ひたむきに写生する子どもを描いた《首夏》(1928年)に既にみてとれる。また一方で、時代への鋭敏な感覚は新しい時代の日本画への模索を促し、戦前の代表作となった《浴女その一》(1938年)のような造形力に満ちた近代的な作風をつくりだして、小倉遊亀が戦後大きく飛躍する下地となった。

第２章

　戦後の時代は海外の新しい美術の潮流が激しく流入する一方で、日本画滅亡論が声高に語られた厳しい時代であった。そうした風潮のなかで、小倉遊亀は日本画の将来について動じることはなかったものの、造形的な面ではやはりいろいろな試みを行っている。微妙なデフォルメに抑えた色調で切り詰めた表現をみせる《Ｏ夫人坐像》(1953年)、大胆なフォルムと鮮やかな色彩感覚に華やぎを感じさせる《コーちゃんの休日》(1960年)など、力感にあふれた人物像をこの時代に次々と制作している。また、《椿》(1958年)、《葡萄》(1959年)など静物画の世界でも、親しみのなかに深みのある作品を多く描いている。小倉遊亀独自の世界が作り上げられた、充実した時代である。

第３章

70歳代は画家小倉遊亀にとっていわば熟成期といえるが、年齢を感じさせない若々しい発想が冴えているところなどはまさに遊亀芸術の醍醐味ということができる。この頃は「簡素な表現方法」を取りながら豊かな表現を志した時期で、代表作となった《径》（1966年）は、画家の望んだ通り「明るく、温かく、たのしいもの」となった。またこの時期は、構図の簡素化といった造形上の問題の解決もさることながら、静物画に加えて舞妓や観音菩薩あるいは肖像画といった多彩なテーマにむかってそれぞれに独自の世界を極めており、充実した画業をみることができる。

　

第４章

80歳代の代表作で奈良薬師寺に奉納された《おもいのたま》（1981年）《大津皇子》（82年）《天武天皇》（83年）の三部作は、自らの仕事を「求道精進」と断言する画家の強さに裏づけされた渾身の歴史肖像画である。105歳で亡くなるまでの最後の四半世紀にうまれた作品群は、肉体的な老いを受け入れながらも生涯現役として絵筆を握ろうとする画家の「命」そのものの表現と見ることが出来る。この時期、すなわち小倉遊亀芸術の完成期から晩年の作品を振り返ると、この画家の絵を描くことへの無垢の心情を感じずにはいられない。
(《おもいのたま》、《天武天皇》は9月8日までの展示)

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