今回のハイライト、みなさんの目にどのように映るでしょうか。ほとんどを男性作家が占める重要文化財の作品が企画展に出品されているこの機会に、男女の作家を同数にして、当館の名品をご紹介しています。もちろん、作品は性別を前提として見られるものではないですし、点数を揃えただけで、ジェンダー・バランスの不均衡が是正されるわけでもありません。そもそも、ジェンダーを男女だけに分けるのも今やナンセンスです。しかしながら、近代美術の歴史において、男性作家や批評家の比重が圧倒的に大きかったのは事実であり、その中で醸成されてきた価値基準を問い直し、今後の調査研究や作品収集につなげていくための第一歩として、このような試みをしてみました。

開館70周年を迎えた当館は、これまでの収集と調査研究の蓄積を生かしつつ、これからの時代を見据え、長期的な視点のもと、過去の美術に対しても新たなアプローチをしていきたいと思います。

一階で開催中の「重要文化財の秘密」展にちなみ、今回この部屋では、重要文化財に指定された作品を生んだ重要文化財作家（略して重文作家）による他の作品を紹介し、作家や作品の評価の歴史にさらに一歩踏み込んでいただこうと思います。
例えば、重文作品より知名度の高い作品があったりします。平福百穂の《荒磯》は、今日までに刊行された近代日本美術の画集や全集に掲載された回数に照らすと、彼の重文作品《豫譲よじょう》(永青文庫蔵、熊本県立美術館寄託、重文展での展示期間は3月17日–4月16日)をはるかにしのぐ人気を誇ります。重文にするかどうかを分けたのは、制作年が9年早い《豫譲》に、芸術的達成度の初発性と画壇への影響力の大きさを認めたからでした。

例えば、重文作品よりも近年注目を集めている作品もあったりします。同じく画集への掲載に照らすと、下村観山の《木の間の秋》は重文の《弱法師》（東京国立博物館蔵、重文展での展示期間4月11日–5月1日）に、1990年代以降の掲載数で差をつけています。これは90年代以降に明治時代後半における琳派ブームに関する研究が進み、実践例としてこの作品が注目されるようになったことが要因のひとつと考えられます。重文作品だけでは分からない重文作家の秘密を探ってみてください。

この部屋の中央に展示している荻原守衛《女》は、1910年の第4回文展に出品されて好評を博した、まさにその作品です。作者の絶作であるとともに、日本の近代彫刻を代表する傑作と評され、本作の石膏原型（東京国立博物館蔵）は重要文化財に指定されています（原型が指定されるという彫刻の複数性に関わる問題については、1階で開催中の企画展「重要文化財の秘密」をご覧ください）。

《女》の魅力は何よりも、螺旋を描いて立ち上がる構造表現の見事さにあります。そこで、荻原が敬愛したロダンのほか、身体のひねりによって動勢や生命感などを表した同時代の作品を集めました。ほんのわずかなひねりであっても、作品の持つ空間に動きや流れを生じさせていることがわかります。他の作品と見比べながら、《女》が傑作とされる理由、あるいは、それぞれの作品において採用されているポーズの理由について、頭をひねってみてください。

「重要文化財の秘密」展に出品されている今村紫紅の《熱国之巻》（東京国立博物館蔵）は、1914（大正3）年9月の展覧会で発表されました。その半年前、紫紅は、はじめてインドの地を踏み、異国の日常に興味をかきたてられていました。

紫紅の旅程は次のようなものだったと推定されています。船は2月26日に神戸港を出発し、門司、香港、シンガポール、ペナン（現・マレーシアのペナン州）、ラングーン（現・ミャンマー連邦共和国のヤンゴン）に寄港し、インドのコルカタに到着。コルカタから先はインド内陸部のガヤー、ブッダガヤにまで足を伸ばします。帰途は中国江南地方を漫遊して、帰国は5月末頃でした。日記も残してないのに旅程がこれだけ分かるのは、この《印度旅行スケッチ帳》の要所要所に地名が書き込まれているからに他なりません。 この作品を楽しむコツは三つあります。一つは、《熱国之巻》のどこにスケッチが利用されたか探すこと。二つめは、インターネットを利用して現地の今の景色と比べること。三つめは、画家の息遣いが生々しく伝わるスケッチを、そのまま楽しむことです。

スイス生まれのパウル・クレー（1879-1940）は、日本でもたいへん人気のあるアーティストです。ドイツの造形学校バウハウス（1919-1933）で教師を務めた理論家（ワシリー・カンディンスキー、ヨハネス・イッテンなどはバウハウスの同僚です）、音楽的な表現（クレー自身、相当な腕前のバイオリニストでした）、晩年の天使のドローイング（谷川俊太郎さんの詩で知った方も多いでしょう）など、その多面的な魅力が人々を魅了してきました。

当館では、1987年に第一作目となる《花のテラス》を収蔵して以降、日本の近代美術に与えた影響の大きさから、最も重要な海外作家の一人としてコレクションを充実させてきました。2021年度に新たに収蔵した《黄色の中の思考》は、1970年代末以降、近年まで長く個人の手元にあり、ほとんど人目に触れることのなかった作品です。今回、この《黄色の中の思考》のお披露目として、当館が所蔵するクレー作品全15点と、クレーに関わりの深い作品を集めて紹介します。

戦後70年の節目を迎えた2015年、戦争の記憶を継承するための多くの試みが行われたことは記憶に新しいと思います。開館70周年を迎えた当館は、戦後、日本が主権を回復した1952年に開館しました。ここでは、日中戦争から、太平洋戦争を経て、主権回復までの15年あまりを、それぞれの時期に描かれた作品とともにたどります。画家たちは、ときに戦争記録画のように直接的に、ときに風景や動植物、人物に託して間接的に、戦争を描き出しました。一見すると戦争とは無関係な作品であっても、制作された年の時代背景に想いを馳せれば、画家たちが社会に向けた眼差しや彼らの心情が浮かびあがってくるでしょう。否応なく戦争に巻き込まれていった状況のなか、国家と個人、社会と芸術、非常と日常の狭間で矛盾や葛藤を抱えながら、画家たちがいかに戦争の様々な現実に向き合い、絵画に表現したのか、1点1点の前で、じっくり立ち止まってみてください。

戦後日本が主権を回復した1952年の12月1日に、当館は京橋で開館しました。このコーナーでは初期の重要な展覧会である「抽象と幻想 非写実絵画をどう理解するか」展（1953年12月1日～1954年1月20日）に焦点を当てます。
「日本近代美術展 近代絵画の回顧と展望」で開館して以降、当館では近代美術を歴史的に回顧する展示が続いていました。1周年を迎えるにあたって行われた「抽象と幻想」展は、名品を並べるという従来型の展示とは異なり、同時代の作家を、特定のテーマの下で取り上げる新しい試みでした。
批評家の植村鷹千代と瀧口修造を協力委員に迎え、「抽象」と「シュルレアリスム（幻想）」というモダンアートの二大潮流をめぐって構成された展覧会とは、果たしてどのような内容だったのでしょうか。7室では、残された資料や記録を元に制作した再現VRを投影しています。初期の実験的な美術館の実践を追体験してみてください。

2022年12月に開館70周年を迎えるにあたり、写真コレクションの展示では、昨年5月より、その歴史をふりかえりながら作品を紹介してきました。最終回となる今期は、近年収蔵した作品から、奈良原一高の「ヨーロッパ・静止した時間」を紹介します。
奈良原の才能が注目されたのは、1956年の初個展「人間の土地」でした。初期作では、戦後の日本という、特異な歴史的状況にとりくんだ奈良原は、62年に渡欧、戦後の日本とはまったく異なる、重厚なヨーロッパ文明と対峙することになります。3年近い滞在の成果は、67年に出版された写真集に結実しました。
2005年に病により活動を休止した奈良原は、その時点で主要作の多くについてプリント制作の基準となるセットを手元においていました。その散逸を防ぐため、当館では2008年度より収蔵に着手、約500点に及ぶその作品群は、当館の写真コレクションを代表するものとなっています。なかでも2020年度受贈の本作は、66年に当館で開催された「現代写真の10人」展の出品作でもあり、そこから半世紀を経てコレクションに加わることとなったのです。

例年、恒例の「美術館の春まつり」にあたるこの時期は、コレクション展でも春まつりということで、日本画を中心に桜や花にちなんだ作品を並べています。今年は特別に、桜や花にちなんだ屏風ばかりを、ガラスケースのコーナーに展示してみました。
ところで、屏風を生活空間で使っている人は、近代以降は少数派でしょう。なのに画家たちが好んで屏風に描くのは、（１）画面が大きいから、（２）収納が便利だから、（３）屏風のジグザグの折れに独特の画面効果が望めるから、だと言えます。とくに（３）が面白くて、屏風の屈曲の効果によって奥行きや動きが生まれるのを、うまい画家はちゃんと計算に入れて描きました。そう、屏風はただの平面ではないのです。では実際にどんな奥行きや動きが生まれるのか。それを見て取るには、枝をひろげた樹木は初歩的かつ最適な主題です。今回この部屋では、絵のなかの春にひたると同時に、屏風のかたちの効果や、手前のコーナーでは展示壁の角をはさんで展示した児玉靖枝《ambient light ― sakura》の展示方法の効果をお楽しみいただきたいと思います。

開館70周年を迎えた当館が、2000年以降の20年あまりで収集した作品をご紹介します。　
ここに展示する作品は、大きく二つに分類できそうです。一つ目は、イケムラレイコ、杉戸洋、加藤泉、三輪美津子、千葉正也、青木野枝、岡﨑乾二郎らによる、絵画や彫刻の主題や形式を拡張するような作品です。冨井大裕や髙柳恵里の、日常的なモノや行為の用途や視点をずらすことで、私たちの認識に揺さぶりをかける作品も、ここに含まれるでしょう。二つ目は、近代の歴史や現代社会に対する批評的な視点を持った作品です。生まれ育った地域の過去と現在に向き合うシュシ・スライマンや山城知佳子、病や老いを克明に描き出す木下晋、規範化されたセクシュアリティの在り方を問う鷹野隆大、多様な背景をもつ人々の歌う姿を捉えた兼子裕代らの作品が当てはまるでしょう。19世紀末にはじまる近代美術のコレクションを起点とする当館が、21世紀に入り、現代の作家たちとともに、どのようにそれを更新していくのか、これからの展開にもご注目ください。