東京国立近代美術館は展示替えのため2025年6月16日（月）～7月14日（月）の期間に休館いたします。  ミュージアムショップ、アートライブラリも休業・休室となります。  レストラン「ラー・エ・ミクニ」は6月16日（月）～23日（月）の間、休業となります。24日（火）以降は、通常通りの営業となります。  次回の展覧会  2025年7月15日（火）～10月26日（日）  所蔵作品ギャラリー　所蔵作品展 「MOMATコレクション」  ギャラリー4　コレクションによる小企画「新収蔵&特別公開｜コレクションにみる日韓」  企画展ギャラリー　「コレクションを中心とした特集　記録をひらく 記憶をつむぐ」 

The main building of the National Museum of Modern Art, Tokyo (MOMAT) houses a collection of artworks that dates from the end of the 19th century to the present. As of the time of writing (March 2025), the extensive collection has almost 14,000 objects including paintings, prints, watercolors, drawings, sculptures (three-dimensional objects), photographs, videos, calligraphy, and related materials. While the collection is centered on modern Japanese art, the museum also collects contemporary artwork from overseas. There are 18 nationally designated Important Cultural Properties in the collection (twelve Nihon-ga (Japanese-style) paintings, five oil paintings, one sculpture. Among them, one Nihon-ga painting and one oil painting are on loan). Notable acquisitions are the archive of 600 artworks, sketches, diaries, letters and other items that belonged to the painter KISHIDA Ryusei, approximately 3000 drawings by the sculptor Wakabayashi Isamu, and 153 paintings documenting the Sino-Japanese War and the Pacific War. The MOMAT Collection, a themed exhibition of works from the collection that is rotated five times a year, displays about 200 of these works at any given time. Every year, approximately 250 works are also on loan to art museums in Japan and abroad. The curators at the Collection Department are in charge of everything from adding to the collection, to safeguarding the works, researching individual objects, organizing the MOMAT Collection exhibition, processing loans to other institutions, and photographing and publicizing the works of art in the collection. Welcome to the MOMAT Collection! Room 9 Photography and Video* Room 10 Nihon-ga (Japanese-style Painting)* A Room With A View*（Fourth floor）  One of the largest collection exhibitions in Japan, MOMAT Collection presents 200 works selected in each exhibition period from our collection of more than 13,000 items including Japanese- and Western-style paintings, prints, sculptures, photographs and videos. As the only exhibition in Japan giving you an insight into Japanese art in and after the twentieth century at a single stroke, it offers diverse ways of appreciating art by changing exhibits after every exhibition period, and by giving small thematic exhibitions. To provide a comfortable experience in broad galleries, we offer spacious places for relaxation including A Room With a View overlooking the Imperial Palace and areas near Tokyo Station, as well as various chairs. About Display Renewal Exhibitions will be renewed every two or three months, with significant changes in the works on display. With a wide range of special displays, you are bound to encounter something new every time you visit the museum. The “Highlight Corner,” where you’ll find a variety of familiar works, and the relaxing “Nihon-ga (Japanese-style Painting) Corner” also promise a rich viewing experience. There’s no time to delay! Make that trip to the museum today! *Photography by Kioku Keizo About MOMAT collection MOMAT Collection comprises twelve（or thirteen）rooms and two spaces for relaxation on three floors. In addition, sculptures are shown near the terrace on the second floor and in the front yard. The space for relaxation “A Room With a View” is on the fourth floor. The entrance of the collection exhibition MOMAT Collection is on the fourth floor. Please take the elevator or walk up stairs to the fourth floor from the entrance hall on the first floor. MOMAT Collection FREE GUIDE APP Bloomberg Connects Find expert insights, context, and more curated content by viewing our guide on Bloomberg Connects for free. Explore now. Catalog Pocket can read, listen to, and take home commentary of the exhibitions at the museum on your smartphone or tablet. 1 Install "Catalog Pocket" app from App Store or Google Play Store. 2 3 Add “MOMAT Collection” to My Contents. 4 Blue buttons navigate pages. Gray buttons display a commentary. ※“MOMAT Collection commentary on works” is multilingualized in cooperation with DNP Dai Nippon Printing. Planning and production：DNP Dai Nippon Printing・DNP Art Communications

東京国立近代美術館では、19世紀末から今日までの美術作品を収集しています。収集対象は、絵画、版画、水彩、素描、彫刻、写真、映像、書、及び関連する資料などの多分野にわたり、点数はおよそ14,000点です（2025年3月現在）。近現代の日本の作品を中心としながら、同時代の海外作品も積極的に収集しています。 コレクションには18点の国指定重要文化財（内2点は寄託作品）が含まれます。また、特色あるまとまりとしては、画家、岸田劉生の画稿やスケッチ、日記、手紙など約600点からなる岸田劉生資料（1件として一括登録）や、彫刻家、若林奮（いさむ）の素描約3000点からなる若林奮資料（1件として一括登録）、アメリカ合衆国から無期限貸与された日中・太平洋戦争期の戦争記録画153点があります。 コレクションは年間約250点が国内外の美術館に貸し出され、展覧会の核となる作品として活用されています。 収蔵庫の様子 所蔵作品展「MOMATコレクション」（4-2F）のご案内 9室「写真・映像」* 10室 「日本画」* 「眺めのよい部屋」*  「MOMATコレクション」展は、19世紀末から今日に至る日本の近現代美術のながれを海外作品も交えてご紹介する、国内最大規模のコレクション展示です。さまざまなテーマのもと、年5回程度入れ替えながら常時200点ほどを展示しています。金沢に移転した国立工芸館の工芸作品も一部ご紹介しています。 2012年のリニューアルによって、所蔵品ギャラリーは4階から2階まで12の部屋からなるスペースに生まれ変わりました。4階の第1室は「ハイライト」として、コレクションの名品を展示しておりますので、第1室だけでもお楽しみいただけます。その後、時代のながれに沿って、部屋ごとのテーマによる展示を順にご覧いただけます。そのうちのいくつかは「写真」や「日本画」といったジャンルごとの部屋、あるいは特集展示のための部屋として、視点を変えた展示を行っています。「好きな部屋から見る」、「気になる特集だけ見る」あるいは「じっくり時代の流れを追って見る」など、それぞれの鑑賞プランに合わせてお楽しみください。 このページ内の会場風景はすべて撮影時のものであり、現在の展示と同じとは限りません。 *印：いずれもphoto: 木奥惠三 所蔵品ギャラリーについて  「MOMATコレクション」では12（不定期で13）の展示室と2つの休憩スペースが３つのフロアに展開し、2Fテラス付近や前庭にも屋外彫刻展示を行っています。4Fには休憩スペース「眺めのよい部屋」を併設しています。 所蔵作品展「MOMATコレクション」の会場入口は4Fです。1Fエントランスホールからエレベーターもしくは階段をご利用のうえ、4Fまでお上がりください。 MOMATコレクション展 作品解説アプリ ブルームバーグ・コネクツ 作品の音声ガイドや作品解説のほか、館内のおすすめの場所、多彩な動画コンテンツもお楽しみいただけます。 カタログポケット 会場の解説をお手元のスマホやタブレットで読めます・聞けます・持ち帰れます。 ステップ 1 App Store やPlay Storeから 「Catalog Pocket」 をインストールします。ブラウザでご覧になる場合はCatalog Pocket ウェブサイトからブラウザ版を開きます。 ステップ2 ステップ 3 マイコンテンツに追加します。 ステップ 4 青いボタンをタップするとページ移動します。グレーのボタンをタップすると解説が表示されます。 ※「MOMAT コレクション 作品解説」の多言語化は、DNP大日本印刷にご協力いただいております。 企画・制作：大日本印刷・DNPアートコミュニケーションズ

The main building of the National Museum of Modern Art, Tokyo (MOMAT) houses a collection of artworks that dates from the end of the 19th century to the present. As of the time of writing (March 2025), the extensive collection has almost 14,000 objects including paintings, prints, watercolors, drawings, sculptures (three-dimensional objects), photographs, videos, calligraphy, and related materials. While the collection is centered on modern Japanese art, the museum also collects contemporary artwork from overseas. There are 18 nationally designated Important Cultural Properties in the collection (twelve Nihon-ga (Japanese-style) paintings, five oil paintings, one sculpture. Among them, one Nihon-ga painting and one oil painting are on loan). Notable acquisitions are the archive of 600 artworks, sketches, diaries, letters and other items that belonged to the painter KISHIDA Ryusei, approximately 3000 drawings by the sculptor Wakabayashi Isamu, and 153 paintings documenting the Sino-Japanese War and the Pacific War. The MOMAT Collection, a themed exhibition of works from the collection that is rotated five times a year, displays about 200 of these works at any given time. Every year, approximately 250 works are also on loan to art museums in Japan and abroad. The curators at the Collection Department are in charge of everything from adding to the collection, to safeguarding the works, researching individual objects, organizing the MOMAT Collection exhibition, processing loans to other institutions, and photographing and publicizing the works of art in the collection. Welcome to the MOMAT Collection! Room 9 Photography and Video* Room 10 Nihon-ga (Japanese-style Painting)* A Room With A View*（Fourth floor）  One of the largest collection exhibitions in Japan, MOMAT Collection presents 200 works selected in each exhibition period from our collection of more than 13,000 items including Japanese- and Western-style paintings, prints, sculptures, photographs and videos. As the only exhibition in Japan giving you an insight into Japanese art in and after the twentieth century at a single stroke, it offers diverse ways of appreciating art by changing exhibits after every exhibition period, and by giving small thematic exhibitions. To provide a comfortable experience in broad galleries, we offer spacious places for relaxation including A Room With a View overlooking the Imperial Palace and areas near Tokyo Station, as well as various chairs. About Display Renewal Exhibitions will be renewed every two or three months, with significant changes in the works on display. With a wide range of special displays, you are bound to encounter something new every time you visit the museum. The “Highlight Corner,” where you’ll find a variety of familiar works, and the relaxing “Nihon-ga (Japanese-style Painting) Corner” also promise a rich viewing experience. There’s no time to delay! Make that trip to the museum today! *Photography by Kioku Keizo About MOMAT collection MOMAT Collection comprises twelve（or thirteen）rooms and two spaces for relaxation on three floors. In addition, sculptures are shown near the terrace on the second floor and in the front yard. The space for relaxation “A Room With a View” is on the fourth floor. The entrance of the collection exhibition MOMAT Collection is on the fourth floor. Please take the elevator or walk up stairs to the fourth floor from the entrance hall on the first floor. MOMAT Collection FREE GUIDE APP Bloomberg Connects Find expert insights, context, and more curated content by viewing our guide on Bloomberg Connects for free. Explore now. Catalog Pocket can read, listen to, and take home commentary of the exhibitions at the museum on your smartphone or tablet. 1 Install "Catalog Pocket" app from App Store or Google Play Store. 2 3 Add “MOMAT Collection” to My Contents. 4 Blue buttons navigate pages. Gray buttons display a commentary. ※“MOMAT Collection commentary on works” is multilingualized in cooperation with DNP Dai Nippon Printing. Planning and production：DNP Dai Nippon Printing・DNP Art Communications

秦テルヲ（1887–1945） 《玉乗り》 1915（大正4）年頃 紙本彩色 135.0×33.4cm 2023（令和5）年度購入  秦テルヲは京都市美術工芸学校（現・京都市立芸術大学）図案科に学び、明治末期より千種掃雲らの丙午画会に参加して、労働者に取材した自然主義的な作品を制作する一方、ヨーロッパ留学から帰国した田中喜作らの黒猫会（シャ・ノアール）に参加して西洋の美術思潮に触れ、次第に世紀末美術へと関心を移していきました。やがて遊郭の女性や女義太夫たちに関心を寄せるようになった秦は、1915年、吉原研究のためという名目で東京に居を移します。浅草に住み、私娼窟に取材したり、浅草十二階下の芝居小屋や曲芸小屋に出入りしたりしながら、女郎やカフェーの女給、曲芸師らに主題を求めました。社会の下層に生きる女性たちをモデルに、退廃的な雰囲気の漂う数々の作品を制作しています。  《玉乗り》は、秦が東京に移住した頃の作品です。浅草にあった「江川玉乗り大盛館」という曲芸小屋では、ピンク色のメリヤス肌着を着込んだ若い女性たちが、直径三尺ほどもある大きな白い球に乗る芸を披露していました。本作はその玉乗りの女性を描いたと思しき作品で、装飾的な花模様を背景に、洗い髪を腰まで垂らし、頭上で腕を組んで微笑む女性の姿態と、大きな丸い球がのびやかな曲線で描かれています。当時の浅草をよく知る小説家の今東光は、のちに次のように回想しています。「秦テルヲと仲よくなり、浅草の私娼窟を隅から隅まで歩き回り、それを日課として暮らしていた。ワイルドのデカダン文学に心酔していた僕は、同様にビアズレーに心酔していた秦テルヲと同気相求めた、彼の描く吉原の女郎や、十二階下の女の絵の素晴しい感覚は、まったく新鮮であったし、すこぶる頽廃的であった」1。  秦と交流のあった竹久夢二も、まったく同じ色合いの衣装に身を包んだ「サーカスの女」を題材にした日本画を数点残しており、同じ曲芸小屋に取材したものと思われます。また、親しい友人であった戸張孤雁も、玉乗りをはじめ曲芸師を主題にした素描や版画、彫刻を多数手がけました。結核を患い、入退院を繰り返していた戸張は、衰える体と制作意欲との狭間で、「玉乗の女の軽妙、肉ジバンを透しての筋肉のふるへ、生きる為めの奮闘が夫れからそれへと連続的にありありと頭に浮ぷ（ママ）」2と綴っています。秦はのちに「ローマンチック」な戸張と「デカダン」な自身とを対比させていますが3、頽廃が色濃く漂う秦の作品の中にあって、《玉乗り》の明るく優しい色合いと、丸みを帯びた女性の肉体は、戸張が玉乗りの女に抱いた生の躍動の感覚に近づいていると言えるでしょう。  註 1　『サンケイ新聞』1958年1月1日。以下に引用。島田康寛「秦テルヲの足跡を辿って」『異端画家秦テルヲの軌跡』日本経済新聞社、2003年、15頁。2　戸張孤雁「自分の心」『孤雁遺集』1930年、275頁。3　秦テルヲの1923年9月11日の日記。以下に引用。野地耕一郎「テルヲの東京—漂泊の果てに光明を視た」『異端画家秦テルヲの軌跡』前掲書、187頁。  『現代の眼』640号

今回のアーティスト・トークは、遠藤利克さんにお話を伺いました。美術作品としては異例といえる、流れる水を素材に使用する当館の収蔵品《欲動―近代・身体》（1997年）の制作背景を中心に、彫刻の道を選んだ経緯、水や火を作品で使用する理由、制作の裏にある考えなどをお話しいただきました。 インタビュアー｜成相肇（東京国立近代美術館）撮影｜渡邊俊介照明｜高橋由衣監督｜宮澤響（COG WORKS）企画・制作｜東京国立近代美術館英語字幕：ブラッド・プラム（日本映像翻訳アカデミー） https://youtu.be/oq3Zr81LhFA?si=sGf7WiUjHeuyZPv_

イサム・ノグチ《門》1969年撮影：大谷一郎　2021年4月12日撮 イサム・ノグチ《門》1969年撮影：大谷一郎　2023年1月30日撮影 2022年12月、当館のシンボルであるイサム・ノグチ《門》（1969年）が新しく塗り変わった。高さ10.5m、イサム・ノグチ（1904-88）の屋外彫刻としては世界屈指のサイズを誇る本作だが、幾何学形と明快な色彩という工業的な特徴のためか、あるいは美術館の入口から離れた位置のためか、残念ながら作品としてじっくり鑑賞されているとはいい難いようだ。この機会に、当館の歴史においても重要な本作にまつわる基礎的な──入門用の──情報をまとめて紹介したい。 《門》は、当館が開館した京橋から竹橋への移転開館（1969年6月11日）にあたって設置された。同時にこの作品は、こけら落とし「現代世界美術展：東と西の対話」（1969年6月12日〜8月17日）の出品作のひとつでもあった。この竹橋の美術館の設計者であり、ノグチと同い年で旧知の仲の谷口吉郎（1904-79）からの依頼だったとされる。谷口の言葉を引こう。 ［…］情感は簡潔。近代美術館の存在をそれが示している。／この彫刻は設計図によって工場で生産されたものである。従って彫刻というより建築の一部といえよう。しかし新しい彫刻の出現である。彼の制作活動はこんな新しいデザイン彫刻にまで発展している。／このように彼の彫刻は工程に於ても建築と密着するものとなった1。 《門》は谷口との共同作業による作品であり［図1 リンク先のIsamu Noguchi Archive画像参照］、白とグレーを基調とする建築のファサードに彩りを加えるとともに、横に長い建築に拮抗する縦方向のアクセントになっている2。幾何学形の彩色彫刻という点では、遊具を兼ねる《オクテトラ》（1965-69年）、ニューヨークの公共彫刻《レッドキューブ》（1968年）に連なるノグチの作例だが、《門》の工業的な性格は、じつは素材にも由来している。というのもこの作品は、資金不足のために1964年の東京オリンピック開催時に建設された高速道路用の梁を再利用している3。その意味で、《門》は当館の建築のみならず、その背後に走る高速道路とも「密着」しているのである。そして、あえて手仕事を排した発注芸術、ミニマルな形態、彩色彫刻という特徴は、1966年にニューヨークのユダヤ博物館で開催された企画展「プライマリー・ストラクチャーズ：アメリカとイギリスの若手彫刻家たち」を機に注目された動向に重なる。つまりこの作品は、当館の再出発の時代における最新鋭の美術動向を刻み込んでいるともいえる。 さて、《門》の最大の特徴は何といっても色が変わるという点だが（多作なノグチにおいておそらく唯一の例）、これには紆余曲折がある。まず色の変遷をまとめると次の表のようになる。 塗装年月色備考1969年5月朱設置。「現代世界美術展」6月12日〜8月17日。1969年8月頃朱と黒『新建築』8月号、『美術手帖』８月号に写真掲載。1975年2月青 1984年4月黄と黒来日した作家の指示を仰いで再塗装（『現代の眼』354号、1984年5月）（1988年12月30日　イサム・ノグチ歿。）1991年10月朱（1992年3月14日〜5月10日　東京国立近代美術館にてイサム・ノグチ展開催。）1998年-1999年青綿引幸造の写真集『イサム・ノグチの世界』（ぎょうせい、1998年6月刊）には朱の状態で写る。1999年10月の工事写真では青。（1999年10月から増改築工事のため溶断して一時的に撤去。2001年1月に溶接、再設置。）2006年3月黄と黒 2011年5月朱と黒2012年に開館60周年。2022年12月青開館70周年。 設置して「現代世界美術展」に朱の状態で出品されたのち、間もなく朱と黒の配色に変わったのは、ノグチが考えを改めたからとされる。この経緯の記録が残されていないが、朱一色は幻のパターンとなる（はずだった）。これはまだ塗り直し・・ともいえるのに対して、1975年の青への変更はまったくの塗り替え・・であるため重要ながら、塗装年月と作家の指示に基づくこと以外の詳細が不明。注目すべきはノグチ他界後の朱への塗り替えである。これに関しては美術館とイサム・ノグチ財団との書簡が残されている。1991年、翌春に控えたノグチ展に向けて《門》を朱に新装するという美術館からの連絡に対し、その根拠を問う財団からの返信が届く。以下がそれに対する当時の美術課長・市川政憲による返答である。 いかように再塗装するかにつきましては、あなたが希望されるドキュメンテーションはなく、わたしたちは、ノグチ氏生前の2度の塗りかえの折に、いずれも作家は、強く、色を替えることを指示した事実があります。この点を尊重し、弟のミチヨママ［註：野口ミチオ］さんにも当館の意向を伝えまして、賛同を得、色をかえることについては、ミチヨさんからもイサム氏の意向としてそのように望まれています。色をかえるについては、朱、青、黄／黒の三様を、塗装の劣化と相談しながら、再塗装の折ごとに、三様の色を順次くりかえしていくのが妥当と考えます4。 これが、塗り替えの方針を初めて記録した文書と思しい。3つの彩色パターンを繰り返すことはノグチが初めから意図していたものではなく、ノグチが生きていれば別の配色があった可能性もある。さらにこの際、ノグチが朱から朱と黒に変更したことが引き継がれておらず、最初期の朱が選択されることとなった。残念ながらというべきか、80年代以前の記録は多く残されておらず、じつのところ色彩の根拠も伝聞のみである。すなわち、朱はポストの色、青は清掃車の色、黄と黒は警告色。いずれも都市にありふれた人工色に由来し、作家の意図を感じ取ることはできる。今回の青への塗り替えはこれに従って、東京都の清掃車の指定色（日本塗料工業会規格72-40T）を基にした。 塗り替え過程 2022年12月15日撮影 最後に、肝心の作品そのものについて述べておこう。 全体を概観すると、ミニマルな形態ながら、基部の接続が複雑でおもしろい［図2 リンク先のIsamu Noguchi Archive画像参照］。規格化された工業素材の単位が縦横に連続し、彫刻が形づくられていく動的な過程を見るようだ。一方で、むしろ下から見上げよという次の富山秀男による解説は興味深い。 ［…］この彫刻をみるなら、美術館敷地の柵に沿って隣の公文書館よりの階段入口の方まで遠廻りし、手前の舗道からテラス上の角柱をふり返って見上げるのがいい。そのときに何が見えるか、というより何を感ずるかは一瞬わが眼を疑いたくなるほどの経験をするに違いない。／二本の長方形の角柱を切った切断面、また何より柱自体の交錯する垂直面が、頭の中で考えるような表われ方をしていないのである。そこに見るものは、量感の消去された驚くほど平板な構造体であり、逆にいえば人間の眼の錯覚を計算しつくした作家の叡知の非凡さなのだ。このことは日射しのきつい晴天の日より、曇日で角柱を彩る明暗の差があまりはっきりしていない日の方が、より効果的なことは確かである5。 この解説と対になる写真が［図3］である。富山のガイドの通りに現在の《門》を見てみると、たしかに平たく感じられる。均等に光を浴びた彩色の角柱は量感を弱め、特に斜めの天面に奥行きを感じにくいことから、下から見上げているのにもかかわらず、斜め上から見下ろした直方体を見ているような不思議な錯覚を生じる。透視図というか、平面上に示された図形のように見えるのである。線的な印象の強い作品だ。彩色パターンによって形態の分節を様々に楽しめる作品だが、一色に塗られた今回が、最も視覚的な効果を味わえるタイミングといえる。 図3：『現代の眼』242号、1975年1月、表紙 そもそも本作の題名は、なぜ「門」なのか。先の引用部の前で富山が「正月の門松の感じさながら」と書いているのは諧謔だろうが、当初の朱色が連想させるのは神社の入口たる鳥居だろう。富山が述べている通り、増改築工事の前、公文書館側（西側）にはテラスに通じる階段があった。図4のマケット写真が示すように、この作品は西側を正面に設定しており、いま私たちの多くが見ている東側の基部にノグチのサインが記されている。天皇の行幸ルートが美術館の西側からであるため、「門」とは天皇を出迎える意図を含むのかもしれない。ただ、天に向かって口を開けたノグチの野外彫刻《スカイゲート》（1976-77年）を参照するなら、《門》は柱と柱の間へと視線を誘う──眼でくぐる──作品だと解釈するのが最もふさわしいように思う。運動場や舞台装置、庭園などに関心を寄せていたノグチの彫刻思想の表われとして、この作品は彫刻でありながら非彫刻の空間を示唆し、それを抱え込んでいる。 竹橋にお越しの際は、遠くから近くから、そして東から西から、この作品をあらためてご覧いただきたい。 図4：東京国立近代美術館建築概要、1969年、表紙 註 谷口吉郎「イサム・ノグチとの出会い」『イサム・ノグチ彫刻展』図録、朝日新聞社、1973年、頁 数表記なし。引用中の「／」は改行を示す。以下同。 当館の建築のファサードは道路に面した南側で、（あいにく街路灯などで見えにくいが）道路を渡った側から見ると谷口建築の和風な印象がよくわかり、《門》との関係も把握できる。なお、東西線竹橋駅側の東側面にある館名の文字は、こちらから見られることが多い都合上、1974年末頃に追加されたもの。 『イサム・ノグチ生誕100年（エクスナレッジムック）』エクスナレッジ、2004年、125頁  イサム・ノグチ財団レジストラーBonnie Rychlak宛、1991年10月23日付、和文原稿 富山秀男「表紙解説」『現代の眼』242号、1975年1月、8頁 『現代の眼』637号

2025年3月から、無料の美術館ガイドアプリ「Bloomberg Connects（ブルームバーグ・コネクツ）」に東京国立近代美術館が参加しています。 当館の開催中の展覧会、おすすめの場所、所蔵作品の解説のほか、キュレータートークなどの動画コンテンツもご覧いただけます。ご来館時だけでなく、ご自宅でもお楽しみいただけるアプリです。順次コンテンツを増やしていきますので、是非ダウンロードしてお楽しみください。また、40以上の言語に自動翻訳されるため、国内の方のみならず世界中の方にもご利用いただけます。 ダウンロードはこちらから ※館内で音声ガイドや動画をご利用になる場合は、イヤホンをご持参ください。 Bloomberg Connects（ブルームバーグ・コネクツ）とは 「Bloomberg Connects（ブルームバーグ・コネクツ）」は、世界の文化施設を紹介する無料のデジタルガイドです。ご自身のデバイスから、いつでもどこでも簡単に芸術や文化情報にアクセスすることができます。本アプリには、世界有数の美術館、博物館、舞台芸術施設、野外彫刻公園や植物園など、850を超える施設が登録されています。それぞれの施設がコンテンツを展開し、開催中の展覧会情報などを発信しています。中には、専門家による解説やハイライト動画、ピンチズーム機能、展覧会マップ表示など、便利な機能が搭載されています。アプリはGoogle PlayまたはApp Storeから無料でダウンロードできます。https://www.bloombergconnects.org

東京国立近代美術館の所蔵作品の画像を、書籍やメディア等でご使用いただくことができます。東京国立近代美術館は、DNPアートコミュニケーションズを通じて、所蔵作品画像を貸し出しています。問い合わせ先は以下の通りです。 問い合わせ先  (株)DNPアートコミュニケーションズ〒162-8001　東京都新宿区市谷加賀町一丁目1番1号 下記のホームページからお問い合わせ・お申込みください。 電話番号：03-6735-6516（イメージアーカイブ画像受付専用、平日の9時30分～17時30分)ファックス：03-6735-6518（イメージアーカイブ画像受付専用） 下記の条件をご確認の上、申請の手続きを行ってください。 貸出条件 貸出目的以外の用途への使用を禁止いたします。 申請内容によっては、貸出不許可となる場合がございます。 使用は有償になります。また使用した印刷物、成果物等を１部ご提出頂きます。料金は「 DNPイメージアーカイブ画像貸出利用料金表」をご覧ください 使用にあたっては「東京国立近代美術館蔵」と明記して頂きます。 著作権保護期間中の作品はご利用者が自身で著作権者に許諾を得てください。当館が紹介、仲介することはありません。 寄託作品（原田直次郎《騎龍観音》と菱田春草《王昭君》）の画像利用申請、撮影（映像・写真）、映像二次利用（過去に撮影した映像素材の二次利用）の場合 寄託作品や登録美術品の画像利用申請や撮影（映像・写真）、映像二次利用（過去に撮影した映像素材の二次利用）に限り、当館美術課で対応いたします。申請内容によって料金が変わりますので「独立行政法人国立美術館特別観覧規則(PDF)」をご参照ください。1「特別観覧許可願」、2「誓約書」にご記入の上、東京国立近代美術館美術課までメールで申請してください。メールアドレス　bijutsuka001@momat.go.jp

宗教、科学、芸術の境界を越え、思索と直感のはざまで絵画のあらたな地平を切り拓いたヒルマ・アフ・クリント。神秘主義に傾倒した彼女の作品群は、媒介／媒材（メディウム）としての画家および絵画の役割を問い直し、創造性の正体をめぐる再考を促すものとして、2010年代以降、注目の的となってきた。ジェンダーやフェミニズムの文脈をはじめとする読み解きもあいまって、近年の「近代抽象絵画の先駆者、アフ・クリント」再評価の機運は勢いを増し、各国で大きな渦を巻き起こしている。本展は、このような状況下に満を持して開催されるアジア初の大規模企画である（図1）。 図1 会場風景｜撮影：三吉史高  出展作品を点検する修復家として、筆者はアフ・クリントの技法を間近で観察する機会に恵まれた。もっとも大型の作品にして本展の目玉となる〈10の最大物〉（1907年）を目にしたのは展示が始まって3日目のことである。シリーズの最後を締めくくる《10の最大物、グループIV、No.10、老年期》が輸送箱から姿を現したとき、まず目に映ったのは、水面のように波打つ紙、あたたかみのある白色、おおぶりな筆跡であった（図2）。塗り残された部分から濃い茶色の紙が垣間見え、周囲には作品を裏から補強するためにあてられたピンク色の裏打ち布がのぞく。裏打ち布と作品の描かれた紙はぴたりと接着しきっておらず、不規則な皺が縦横無尽に走っている。花や万華鏡を思わせるカラフルなモチーフの奥には、薄く構図の下描き線が浮かぶ（図3）。  図2 《10の最大物、グループIV、No.10、老年期》開梱時｜撮影：田口かおり  図3 《10の最大物、グループIV、No.10、老年期》部分｜撮影：田口かおり  紙、布、筆。描き、塗り、貼る。そこには間違いなく、絵画が絵画として立ち上がるまでの工程と手段がある。  「（…）下絵のデッサンもなく、自分の手で力強く直接絵を描きました」「一筆も乱すことなく、素早く確実に描いていたのです」1 ──高次の霊的存在からの指示のもとで行われた仕事について、アフ・クリントはいくつかの証言を残している。とはいえ、彼女の「描き」をめぐる検証は、しばしばスピリチュアリズムの文脈にひき寄せられがちで、一画家としての彼女が素材といかに対峙し、体と筆を実際にどのように動かして巨大な支持体を絵画へと仕立てていったのか、その痕跡はともすると見過ごされがちかもしれない。  実のところ、出展作品を点検するなかで見えてきたのは、画家本人のいうところの「力強く」「素早く確実」な描画の豊かなバリエーションであり、地（＝紙や布）の上にかたちと色彩（＝絵画）を、道具（＝絵筆）をもって描き出す画家が試みた、いくつかの技法的冒険の名残であった。  本展の構成を簡単にさらっておきたい。全体は5章構成になっており、アカデミックな鍛錬を積み重ねていた頃の作品群を経て（第1章）、神秘思想などに影響を受けて螺旋や貝、霊的存在の頭文字などのモチーフが画面上に登場する19世紀末からの展開が示され（第2章）、〈10の最大物〉を含む「神殿のための絵画」群へと続く（第3章）。自然科学や人智学との交差のなかで水彩絵具を用いた表現があらたに花開く1920年代を総括した上で（第4章）、「神殿のための絵画」をおさめる建築物を構想し、また、自身の作品群を編集記録した「青の本」を編む晩年（第5章）に至る。  作品を時系列にたどる動線は、ヒルマ・アフ・クリントに長らく結びつけられてきた霊媒的イメージやそれを取り巻く言説を一度ほどき直し、彼女が生きた時代の思想的・科学的・芸術的な諸領域との往還を視野に入れながら、その制作の軌跡を丁寧に追う試みそのもののように映る。そして、1880年から1941 年へと続くタイムラインが、結果としてアフ・クリントの技法変遷を浮き彫りにしていることは興味深い事実といえよう。  バルビゾン派の風景画や印象派の色彩選択を思わせる表現が瑞々しい《夏の風景》（1888年）や、油絵特有の筆致が重く隆起する《肖像、フレドリック・ヴィクトル・アフ・クリント》（制作年不詳）と、〈白鳥、SUWシリーズ〉（1914-1915年）の描画のうちとりわけ後期の作品における薄く透過性のある描画層を見比べれば、その違いは一目瞭然である。制作技法表記こそ「油彩・キャンバス」であっても、おそらく1906年あたりからの彼女の技法は、過去の伝統的なそれには留まらない。支持体である画布や紙の質感や色を存分に活用したり、下地を施さずに絵具を塗布したりと、あらたな冒険が繰り広げられているのである。  古典絵画技法の習得にも熱心に励んでいたとされるアフ・クリントは、卵黄で顔料を溶くエッグ・テンペラ技法を多くの作品に応用しているほか、独自の裁量で顔料を調合し描く工夫も取り入れていたという2。実のところ、紙にテンペラ技法で描いたとされる前述の〈10の最大物〉には、油性溶媒の使用を思わせるぽってりと分厚い絵具の凹凸がそこかしこに見られる。霊的存在からの明確な指示に従って早急に〈10の最大物〉を仕上げなくてはならなかった彼女にとって、速乾性のあるテンペラ技法は理にかなった選択であっただろう。ただし、彼女はオウムガイや花のモチーフの一部を強調するために、より粘度の高い絵具を併用しているようなのである。目をひくのは、筆致の隆起だけではない。そこかしこに走る下描きの線、ときに床に作品を置いて描き、ときに壁に留めて描いた姿勢の変更を物語る多様な絵具飛沫や垂れ跡、自身が手作業で行ったとされる裏打ちの跡、これらがすべて「大きな絵を描く」という一大事に立ち向かう彼女の物理的格闘を証言している3（図4）。  図4 《10の最大物、グループIV、No. 2、幼年期》部分｜撮影：田口かおり 「絵画制作のたび、人間、動物、植物、鉱物、そしてあらゆる創造物に対する私の見識は鮮明になっていきました。限られた自意識から解放され、より高い次元に到達したと感じました。そのような時、私は絵画制作を通じてより自由な境地に達することを教示してくれる存在と協力し、啓示を受けました」4。  こうした彼女の言葉を裏付けるように、初期の作品から晩年に至るまで、男女の、白鳥の、貝殻の、花弁の、結晶体のモチーフは変容しながら繰り返されていく。上記の述懐は、ただし、これらのモチーフを描くために用いられた技法や素材そのものについての語りとしても成立するように思われる。すでに述べてきたように、アフ・クリントの創作には、高次の霊的存在からの「指示」が関与していた。だが、「指示」に忠実であることと、自ら素材に工夫を凝らし、絵具を調合し、技法を試行錯誤するという能動的な態度とは、おそらく矛盾するものではない。 啓示を具体的な物質（＝絵画）のかたちに置き換えるためには、組成への深い理解と画家としての技術が要請される。「人間、動物、植物、鉱物、そしてあらゆる創造物」から、どのような色とかたちが立ち現れるのか。いうまでもなく、イメージの具現化を可能にするために求められるのは知識と技術の蓄積と、工程と手段の精査である。鉱物や貝殻を砕き、植物から染料を抽出し、昆虫から色材を得る──そうして獲得された顔料は、卵や油、樹脂や水といった媒介によって絵具と化し、やがて絵画のかたちをなす。ヒルマ・アフ・クリントの絵画技法の多様性が仄めかすこと、それは、アフ・クリントにとっての制作は単なる受動的行為ではなく、素材と技法の能動的な探索を通じてこそ遂行されるものであり、ある種の主体性の介在を否応なく要請される営みだったのではないか、という可能性である。  自然の断片があらたな体系へと精製されたしるしの数々は、ひそやかに、しかし見方によっては饒舌に、作品生成の経緯を鑑賞者に物語る。  自然界から抽出された物質を調合し、塗り伸ばし、乾かして、補強し、記録する。その仕事は、物質の変容を通じて不可視のものを可視化する霊的な実践であり、物質とイメージを結ぶ錬金術的な技であり、色とかたちの中に宇宙の秩序を沈殿させるアフ・クリントの儀式とも、読み解くことができるかもしれない。  註 1　エリク・アフ・クリント、安達七佳訳「ヒルマ・アフ・クリントとその作品」（1967年12月）『ヒルマ・アフ・クリント展』カタログ、東京国立近代美術館、2025年、254頁。  2　本展コンサバターであり、ヒルマ・アフ・クリント作品の調査修復を担当してきた修復家サラ・パルムボリの証言による。ただし、アフ・クリントが残した膨大なスウェーデン語の日記や資料については、現在もまだ十分に翻訳や分析がなされておらず、絵画の組成を明らかにし将来的な保存に役立てるための情報収集や科学的分析も未完遂の状態である。 3　〈10の最大物〉の各作品につき要した時間は4日、合計40日で仕上げられている。制作の速さや技法についての言及は以下を参照。Julia Voss, Hilma af Klint: A Biography (Chicago: University of Chicago Press, 2022), chap. 6, “The Ten Largest,” p. 142; Sarah Isenberg, “The Future Is Now: Hilma af Klint and the Esoteric Imagination,” Bowdoin Journal of Art (2020), p. 30.  4　ヒルマ・アフ・クリント、安達七佳訳「人智学協会における絵画作品の紹介に際しての前置き」（1937年4月16日）『ヒルマ・アフ・クリント展』カタログ、東京国立近代美術館、2025年、251頁。  『現代の眼』640号